Великие художники мира и их знаменитые картины

В наше высокотехнологичное время, когда можно получать фотографии высочайшего качества изображения, до сих пор востребованным остаётся изобразительное искусство: живопись, графика.

До сих пор люди берутся за карандаш или кисть, чтобы выразить своё ви́дение мира. Творения известных художников мира или наивный рисунок ребёнка одинаково вдохновляют и формируют внутренний мир человека.

Леонардо да Винчи (1452–1519)

Ещё в молодости Леонардо да Винчи понял: между искусством и наукой существует неразрывная связь. Эту мысль он постоянно разрабатывал и углублял. Отсюда уникальная разносторонность его интересов и деятельности.

Живопись он считал выше всех других искусств, художники, по его мнению, – это лучшие из ученых, они внимательно наблюдают окружающий мир и умеют изображать природу, людей, животных.

Человеческое зрение он воспринимал как инструмент для исследования: видеть и знать – это для него одно и то же.

Живопись связана с другими науками: чтобы правильно изобразить человеческое тело, нужны знания по анатомии. Начав работать нал светотенями, он изучил оптику. Проблемы изображения движения привели его к изучению механики, а проблемы пейзажа – к изучению ботаники. При написании горного рельефа понадобились знания по геологии. Таким образом, главным источником знания для Леонардо да Винчи было наблюдение природы, а главным научным результатом исследования – математическая обработка данных опыта.

Леонардо был великим художником и математиком, механиком и инженером. Изобретал станки для многих видов работ, камерные шлюзы, водоподъёмные машины разных конструкций и др. Изучая полёт птиц, спроектировал летательный аппарат тяжелее воздуха, но затем понял, что такой аппарат может летать только при помощи двигателя. Среди его изобретений – усовершенствованные орудия для ведения войны.

Сохранилось не очень много живописных произведений Леонардо да Винчи. Но его вклад в мировую живопись огромен:

• он углубил психологизм своих реалистичных полотен;
• передавал духовное состояние людей новыми средствами изобразительности, в том числе при помощи выразительных движений;
• разработал гармоничную композицию, сочетающую разнообразные элементы в единую структуру;
• изображениям природы и людей в пейзаже придал ранее не доступную художникам рельефность, основываясь на изученных им законах оптики;
• первым сумел передать глубину пространства при помощи изображения самого воздуха, как бы обволакивающего предметы дымкой («сфумато»).

Важно! Термин «сфумато» (от итальянского fumo – дым, туман)в изобразительном искусстве обозначает мягкость, плавность тональных переходов, размытость контуров для передачи глубины пространства, воздушной среды. Термин ввёл Леонардо да Винчи.

Самая знаменитая работа художника и всей мировой живописи – «Мона Лиза» («Джоконда», между 1503-1519). Лувр

«Мона Лиза» («Джоконда», между 1503-1519)

Это портрет жены Франческо дель Джокондо, флорентийского купца. Разработкой такого портретного типа Леонардо занимался уже некоторое время: изображение по пояс, с легким поворотом, с лицом, обращенным к зрителю, со сложенными руками, ограничивающими композицию снизу.

Уже много веков воображение зрителей будоражат прекрасные руки Моны Лизы, её легкая улыбка, туманный скалистый пейзаж. Пытаются разгадать и никак не разгадают тайну её улыбки… Возможно, тайна присутствует, но так же возможно, что никакой тайны вовсе и не существует. Леонардо был реалистом, а не романтиком. Он работал над приёмом сфумато.

Его художественные и научные интересы разделить невозможно. «Джоконда» создавалась в то время, когда художник изучал анатомию, строение женского организма и проблемы деторождения.

Рисунок пером, чернилами и акварелью «Витрувианский человек» (1490)

Изображена фигура мужчины в 2-х разных положениях: одна вписана в окружность, другая – в квадрат.

Цель работы – продемонстрировать идеальные пропорции человеческого тела. Создана как иллюстрация для книги, посвященной трудам Витрувия, древнеримского учёного, архитектора и механика.

«Мадонна Литта» (1490-1491)

Название картины – от имени её последних владельцев, графов Литта, Мадонна в синем плаще кормит грудью младенца. Местонахождение: Эрмитаж, Петербург

Позади два симметрично расположенных арочных окна на тёмном фоне, в них виден «лунный пейзаж». Взгляд младенца обращён на зрителя. Ребёнок правой рукой придерживает грудь Матери, а в левой держит щеглёнка, Сила материнской любви, нежность, уважение к простым человеческим чувствам, гуманизм – главный смысл картины мастера.

«Мадонна Бенуа», или «Мадонна с цветком» (1478-1480)

Одна из ранних работ художника. Мадонна с Младенцем находятся в полутёмной комнате, где источник света – окно в глубине. Фигуры Мадонны и младенца Христа высвечены слева и подчёркнуты игрой светотеней. Местонахождение: Эрмитаж, Петербург

Новаторство картины – сюжет трактуется как простая жизненная сцена. Цветок крестоцвета – символ будущего распятия. Работа выполнена в технике масляной живописи, до Леонардо её практически не использовали и не знали.

Читайте также на нашем сайте про самые необычные картины современных художников.

Фреска «Тайная вечеря» (1495-1497)

Христос и 12 апостолов сидят за высоким столом. Изображён момент, когда Христос (в центре) сказал, что один из них Его предаст. Создана на стене трапезной монастыря Санта Мария делле Грацие в Милане.

Это главная идейная и психологическая точка фрески. Чтобы сосредоточить взгляд именно на этой фигуре, используются приёмы: цвет одежды (красный и синий), изображение фигуры на фоне окна.

С художественной и научной деятельности Леонардо да Винчи начался период Высокого Возрождения.

Иероним Босх (1450-1516)

Представитель Северного Возрождения. Босх – псевдоним, взятый в честь названия родного города Хертогенбос. Настоящее имя – Еру́н Αнто́нисон ван Αкен.

Его творческий почерк невозможно спутать ни с каким другим. Особенность творчества Босха состоит в том, что он изображает людей такими, каковы они внутри, а не такими, какими они кажутся внешне.

Его родина – Нидерланды, он был потомственным художниκом.

Картины Босха ирреальны, наполнены фантасмагорией. В них собраны видения, фантазии, причудливые образы; его произведения в основном гнетущего содержания, наполнены гротесками и символами, до сих пор до конца не разгаданными – это и является главной трудностью толкования его картин в наше время.

Современникам Босха многие значения символов были понятны. Современники знали:

• его картины – сатира на всё греховное в людях и в образе их жизни;
• его странные и страшные образы созданы для более сильной трактовки ада;
• его фантазия направлена для усиления мотивов адских мук. 

Известно, что сюрреализм (от фр. Surréalisme – «сверхреализм») как направление в искусстве возник в XIX в., а его основоположник в живописи – Сальвадор Дали. Однако существует мнение, что именно Босх был предтечей сюрреализма, хотя тогда и термина этого ещё не существовало. Босх опередил время на несколько веков.

Художник использовал технику письма масляной живописи «алла прима» – он создавал картину без предварительных прорисовок и эскизов, сразу начисто, за один сеанс, чем восхищал современников.

«Сад земных наслаждений» (1500-1510)

Одна из самых знаменитых его работ – большой (почти 4 м в ширину) тρиптих.

Важно знать: триптих – картина, состоящая из 3 частей.

На левой створке изображён третий день сотворения мира и человека – Эдем (райский сад). Но люди не послушали Бога, вкусили запретный плод и были изгнаны из рая.

В центральной части тρиптиха изображено буйство грехов, похоти, телесных извращений. Это и есть тот самый сад земных наслаждений. Свой выбор человечество сделало в пользу греха – это легче и приятнее. В результате оно обречено на ад.

Правая створка триптиха посвящена теме ада. У людей разные грехи – и разные наказания. Одних поджаривают на сковороде, других подвешивают на крюках, третьих запекают в очаге – каждый получает по заслугам. Наказание исполняют дьяволы и занимаются этим с большим удовольствием.

«Несение креста» (1510)

На картине крупным планом изображены лица сопровождающих Христа на Голгофу. Местонахождение: Музей изящных искусств, Гент.

Все эти лица карикатурны, гротескно уродливы. Они изображают самые разнообразные чувства, понятные всем. Контрастом к этой безобразной толпе являются лица двоих: Христа, несущего крест, и святой Вероники (в нижнем левом углу), оба с закрытыми глазами, как бы отгородившись от этой звероподобной толпы. Да ещё бледное лицо раскаявшегося разбойника.

Триптих «Воз сена» (1500-1502)

Существует в 2-х вариантах. Возможно, оба оригиналы. Сюжет представляет собой аллегорию, соответствующую нидерландской пословице, уподобляющей мир стогу сена, из которого каждый хватает, сколько сможет. Местонахождение: Музей Прадо, Мадрид.

Триптих состоит из множества мини-сюжетов, но все они подчинены одной мысли: человеческий род погряз в грехах, алчности, корысти, чревоугодии, любострастии и безразличен к божественным установлениям.

Триптих «Страшный суд» (1504)

На картине показаны все смертные грехи, за которые люди будут отвечать на Страшном суде. Местонахождение: Академия изобразительных искусств, Вена (Австрия) .

Смертными называются тяжёлые нераскаянные грехи, влекущие за собой потерю спасения души. Их 7: гордыня, жадность, гнев, зависть, прелюбодеяние, чревоугодие и уныние. Много эротической символики.

Триптих «Поклонение волхвов» (1510)

Аллегорический сюжет центральной части триптиха: волхвы принесли дары Младенцу, сидящему на руках у Богоматери. Местонахождение: Музей Прадо, Мадрид.

Со всех сторон выглядывают любопытные крестьяне, довольно бесцеремонные. Загадочный персонаж – стоящий в дверях человек. Предположительно, это Ирод или антихрист со свитой. На внутренних и внешних створках – другие аллегорические библейские сюжеты. Подробный разбор многочисленных мини-сюжетов триптиха невозможен в рамках данной статьи.

Франсиско Гойя (1746-1828)

Великий испанский живописец и график. В его творчестве соединились жизнерадостность и тра­гизм, реалистичность и фантастика, гротеск. Его художественное мировосприятие предвещает живопись сюрреализма. Расцвет творчества приходится на эпоху романтизма. Картины Гойи сложны для понимания, т.к. наполнены аллегориями и аллюзиями.

Важно знать: аллюзия – стилистический приём в искусстве, который даёт намёк на общеизвестные факты, литературные произведения, исторические события и др.

Чтобы понять и оценить эти намёки, нужно хорошо знать историю Испании и Франции, где жил автор. Великий художник всесторонне отразил жизнь этих стран в картинах.

«Шабаш ведьм» (1819-1823)

Это огромное полотно (140 × 438 см) сначала было росписью на стене его «Дома Глухого» (большой загородный дом Гойи, оглохшего после тяжёлой болезни). Но своё название дом получил из-за глухоты предыдущего владельца. Местонахождение: Музей Прадо, Мадрид.

Гойя создал 14 фресок из Серии «Мрачные картины» на стенах этого дома. Позже он перенёс изображение на полотно.

Когда художник стал глохнуть, он страдал от страшных галлюцинаций и видений, некоторые из них он изобразил на фресках и картинах.

Уродливые фигуры, безобразные лица – отражение представлений больного художника об окружающем мире. В этих лицах собраны человеческие пороки и сатанинские поступки людей. Мрачными красками он рисует различные виды зла.

«Маха обнажённая» (1797-1800)

Одно из ранних западноевропейских произведений, изображающих полностью обнажённую женщину. Местонахождение: Музей Прадо, Мадрид.

Маха – испанская горожанка XVIII-XIX вв., смысл жизни которой – любовь. Махи были любимыми натурщицами Гойи, любвеобильного мужчины. В паре с этой картиной существует другая – «Маха одетая». Это полотно на стене откидывалось на шарнирах, а под ним открывалось другое – та самая, но обнажённая маха. Инквизиция строго запрещала изображать обнажённое женское тело.

«Сумасшедший дом» (1812-1819)

В зале больницы для душевнобольных полно народу. Свет проникает только через окно с решёткой вверху. Пациенты на голом полу представлены художником как пародия на разные слои общества: духовенства (в правом нижнем углу мужчина с медальоном и жестом благословения), армии (человек в треуголке сражается с невидимым врагом) и т.д. Другие пациенты со страшными гримасами корчатся или спят на полу. Местонахождение: Королевская академия изящных искусств Сан-Фернандо, Мадрид.

Какой посыл несёт в себе эта картина – неизвестно, на этот счёт нет единого мнения искусствоведов. Возможно, это критика подобных лечебниц того времени. 

«Распятый Христос» (1780)

Традиционный сюжет, но в неоклассическом стиле, для которого характерно тяготение к источникам древнегреческого и древнеримского искусства: фигура Христа изображена на нейтральном чёрном фоне, без пейзажа; минимизированы драматические элементы (например, отсутствуют следы крови на руках и ногах распятого). Местонахождение: Музей Прадо, Мадрид.

Драматизм выражен только в положении головы Христа, который как бы  произносит: «Боже мой, Боже мой, почему ты оставил меня?». Гойя использует приём сфумато, а свет как будто исходит из груди распятого Христа.

Клод Моне (1840-1926)

Известный французский художник, один из основателей импрессионизма. Французское impression – впечатление. 

Импрессионисты предпочитали писать с натуры, но не просто изображать окружающую действительность, а передавать впечатление от природы, в которой каждое мгновение что-то меняется, в том числе и цвет предметов, в зависимости от освещения, погоды и т.д. Словом, задачей импрессионистов было воссоздание жизни в ее непрерывных изменениях.

«Водяные лилии», или «Кувшинки»

Серия из 250 картин. Это пейзажи с изображением водной глади, кувшинок, склонёнными над водой ивами и их зыбкими отражениями.

Художник сам создал пруд в японском стиле в Живерни, где прожил 25 лет. Сам занимался дизайном сада, высаживал семена кувшинок со всего мира. Из этой же серии картина «Пруд с лилиями», на которой изображён сделанный Моне арочный японский мост.

 «Женщины в саду» (1866)

Моне хотел изобразить людей на открытом воздухе, но не был слишком заинтересован показом женских фигур или психологизмом персонажей. Местонахождение: Музей Орсе, Париж.

Ему хотелось подчеркнуть тончайшие нюансы освещения на одежде и лицах женщин, запечатлеть контраст между освещёнными и затенёнными областями.

«Руанский собор. Закат» (1892-1895)

Серию картин (всего 35) Клод Моне исполнил за 3 года. Задачу он поставил себе ту же: показать, как свет отражался на лепке фасада. Местонахождение: Музей изобразительных искусств имени Пушкина, Москва.

Он снял комнату с видом на собор и был восхищён тем, как один узор сменяет другой, будто в калейдоскопе. Один и тот же объект – Руанский собор – был запечатлен им множество раз: в полдень, на закате, вечером, утром, в пасмурную и солнечную погоду… Контуры предметов и объёмы растворяются и видоизменяются в световоздушной среде.

Моне стремился добиться чистоты и звучности цвета, избегал смешивать краски на палитре – они должны были смешиваться в глазу зрителя. В то время эти приёмы были новшеством и не всегда принимались критиками и зрителями. Картины импрессионистов не выставлялись в Салоне, продавались за бесценок или вообще не покупались. Поэтому Моне долгое время жил в нужде. И только через некоторое время импрессионизм завоевал мир.

Винсент Ван Гог (1853-1890)

Трагическая жизнь Винсента Ван Гога сегодня обрела невиданную популярность. Правда, больше всего людей интересует не творчество художника, а отрезанное ухо, самоубийство и стоимость его работ на аукционах. Поговорим лучше о творческом наследии Ван Гога. Оно огромно с учётом того, что прожил он всего 37 лет, из которых только 10 были посвящены живописи.

В его наследии – около тысячи рисунков и более  тысячи картин: портретов и автопортретов, пейзажей, натюрмортов и панно. При жизни ему удалось продать только одну картину – «Красные виноградники в Арле», его творчество не привлекало внимание критиков. Сейчас этот нидерландский художник-постимпрессионист входит в число самых известных и дорогих художников XIX в.

Его первые работы – в основном простые голландские пейзажи в тёмных тонах. Переехав в Париж, он знакомится с импрессионистами, и их живопись поражает его. В его палитре появляются светлые тона, свет и цвет становятся для него самым главным.

Дружба с художниками-импрессионистами обогащает его, он начинает экспериментировать с цветом, который в его работах становится ярче, а затем переходит к монохромным картинам. Важное значение для Ван Гога имел свет, в котором он чувствовал нечто сверхъестественное, какую-то тайну.

«Автопортрет с перевязанным ухом и трубкой» (1889)

Портрет был создан в период его дружбы с художником Полем Гогеном. Их дружба обогащала обоих, но каждый обладал собственным ви́дением мира, они часто яростно спорили и ссорились. Местонахождение: Частная коллекция судостроительных магнатов Ниархосов.

Одна из таких ссор окончилась тем, что Ван Гог в безумии отрезал себе мочку уха. Фон картины в красно-оранжевых оттенках вызывает тревогу.

«Подсолнухи» (1888)

Так названы 2 цикла картин Винсента Ван Гога: в первом изображены лежащие цветы, а во втором – букеты подсолнухов в вазе. Местонахождение: Лондонская национальная галерея.

Солнце Арля на юге Франции рождает в нем новое вдохновение и желание работать. Он восхищался жёлтым цветом, который был разлит в воздухе и царил на полях. «Как прекрасен желтый цвет!» – восклицал он. Отсюда в его творчестве такое обилие подсолнухов.

«Звёздная ночь» (1889)

После конфликта с Гогеном художник год провёл в больнице для душевнобольных, но не переставал работать. Местонахождение: Музей современного искусства, Нью-Йорк.

Изображение звёздной ночи он не считал важным в своём творчестве и даже сожалел, что «позволил увести себя в абстракцию», т.к. предпочитал рисовать с натуры. Об этом у них с Гогеном также было много споров. Тема звёздной ночи присутствует и в других его картинах. Некоторые искусствоведы считают, что «Звёздная ночь» вдохновлена религиозным настроением Ван Гога.

«Ирисы» (1889)

Картина написана за год до смерти художника, в лечебнице. Местонахождение: Музей Гетти, Лос-Анджелес.

В изображении ирисов отчётливо прослеживается влияние японских гравюр укиё-э (картины или образы изменчивого мира), основного вида ксилографии в Японии. Ван Гог создал цикл картин, посвящённых ирисам, как и подсолнухам.

Поль Гоген (1848-1903)

Французский художник-постимпрессионист, график, скульптор-керамист. Живописью занимался самостоятельно, бросив все прежние профессии, и тем самым обрёк себя на скитания, разрыв с семьёй и нищету. Как и Ван Гог, при жизни не испытал признания и славы, но сейчас картины этих художников оцениваются в десятки миллионов долларов.

Начальное творчество связано с импрессионизмом. Затем заинтересовался искусством древних народов, их наивным мировосприятием. Первым из европейских художников он обратил внимание на «примитивное» искусство и захотел вернуть живописи наивность и простоту.

Гоген открыл для себя и для других выразительную силу неевропейских культур с их плоскостными формами, интенсивностью цвета, декоративностью – всё это он нашёл на Таити, куда отправился, чтобы «слиться с природой», считая цивилизацию «болезнью». Жил в различных странах Океании, там созданы лучшие его работы.

«Шьющая женщина» (1880)

Данный сюжет не совсем обычен для творчества Гогена, но присутствует в работах других художников (Э. Мане, Писсарро). Местонахождение: Новая глиптотека Карлсберга, Копенгаген.

Гоген в то время интересовался изображением узоров и структур тканей – за спиной женщины художник изобразил синее и зелёное покрывала, на стене виден полосатый ковёр. 

«Видение после проповеди», или «Борьба Иакова с ангелом» (1888)

Ко времени написания этой картины Гоген уже отходит от влияния импрессионизма, считая этот стиль ограниченным, не удовлетворяющим его стремления. Он становится лидером нового направления в живописи – синтетизма, который сформировался внутри постимпрессионизма. Местонахождение: Национальная галерея Шотландии, Эдинбург.

Синтетизм возник из объединения других техник и стилей (примитивизма, символизма) и отличался упрощением изображения, излишней декоративностью, яркими красками. В картине «Видение после проповеди» Гоген уже частично использует эти новации, а также мотивы японского художника Кацусики Хокусая.

Гоген соединил в картине два уровня действительности: молящихся бретонок и борьбу Иакова и ангела. Композиционно эти два мира разграничены толстым стволом дерева, пересекающим по диагонали всё полотно. 

«Женщина, держащая плод» (1893)

Ряд искусствоведов считает, что таитянка, держащая в руках плод, – олицетворение библейской Евы. Местонахождение: Эрмитаж, Петербург.

Все фигуры, в том числе и на заднем плане, статичны. Неподвижен и тропический пейзаж. Картина отличается ярким колоритом, экзотической декоративностью и поэтичностью.

«Натюрморт с попугаями» (1902)

Обычный сюжет натюрморта: битая дичь, цветы на скатерти, фляжка для воды из тыквы. Это символ временного пребывания человека на земле. Но яркие радужные краски вступают в противоречие с этой скрытой мрачной символикой. Местонахождение: Музей изобразительных искусств им. Пушкина, Москва.

На заднем плане – изображение полинезийской богини Луны Хины, работа самого Гогена. 

Эдвард Мунк (1863-1944)

На творчество норвежского живописца и графика Эдварда Мунка сильное влияние оказали французский импрессионизм и символизм. Он увлекался философией Ницше, т.е. его внимание привлекали сложные психологические ситуации. А в своём дневнике он сделал запись о том, что с колыбели над ним тяготели болезнь, безумие и смерть. В этом суть и атмосфера всех его произведений.

В детстве он испытал сильное потрясение в связи со смертью матери и 15-летней сестры. Воспоминания об этом лежат в основе одной из ранних работ.

«Больная девочка» (1886)

Больная девочка полулежит в кресле, рядом с ней – её тётя. Сюжет трагический, но просветлённый. Озарение через страдание. Художнику удалось смягчить трагизм ситуации светлыми красками – это цветовая манера импрессионистов. Но импрессионисты старались отстраняться от психологических проблем, а Мунк, наоборот, их усиливал. Местонахождение: Национальная галерея, Осло.

Творчество Мунка в зрелом возрасте разнообразно по темам и жанрам:  пейзажи, портреты, бытовые картины, полотна со сложной символикой, графика. Посредством живописи он передавал своё внутреннее состояние – постоянную болезненную напряжённость и страх перед смертью.

 «Танец жизни» (1900)

Данная картина также пронизана этими настроениями. Местонахождение: Национальная галерея, Осло.

Северная белая ночь. Кружатся в танце пары. Их лица размыты. Только две фигуры по краям композиции – молодая девушка в белом платье и женщина средних лет в чёрном с утомлённым лицом – видны чётко. Смысл полотна – юношеские надежды кончаются всегда одинаково: приходит старость, а за ней – смерть.  

«Крик» (1893)

Самая знаменитая картина Мунка, предвосхитившая искусство экспрессионизма. Её содержание пояснил сам Мунк. Он прогуливался с друзьями до самого заката солнца. Вдруг небо окрасилось в кроваво-красный цвет, что привело его в ужас. Друзья продолжили путь, а он был пригвождён к месту, «услышав ужасающий, нескончаемый крик природы». Местонахождение: Национальная галерея, Осло.

Этот крик он изобразил яркостью красок и образом главного героя, маленького невзрачного человека. Его равнодушные спутники даже не обернулись на этот крик…  

Примечание. В 2003 г. астрономы предположили, что поразивший воображение художника цвет неба был результатом извержения вулкана Кракатау в 1883 г.

Существует 4 версии «Крика», созданные Мунком в различных техниках.

«Мадонна» (1894)

В женщинах Мунк видел источник высшей земной красоты, но эта красота несёт в мир людей только грех, разрушение и зло. От канонического изображения Мадонны остался только нимб над головой. Местонахождение: Музей Мунка, Осло.

Существует несколько авторских версий картины, находящихся в музеях разных стран и в частных коллекциях.

В период работы над этой картиной окончательно сформировался экспрессионистский стиль художника: выразительные линии, упрощённые формы и сюжеты, наполненность символами.

Сальвадор Дали (1904-1989)

Испанский художник. Один из величайших гениев эпохи сюрреализма.

Важно знать: сюрреализм – «сверхреализм» в переводе с французского. Направление в искусстве, зародившееся во Франции в 1920-х гг. Аллюзии, парадоксы, фантазии, мечтания, видения, сны – всё у сюрреалистов переносится на полотно или становится литературным текстом.  

С раннего детства стала видна неудержимая энергия и эксцентричность характера Дали, приводившие отца в гнев. Но мать прощала ему всё.

Талант художника проявился в раннем детстве, а первую картину он создал в возрасте 10 лет – небольшой пейзаж в стиле импрессионизма. В 14 лет уже все признавали его несомненный талант. Живописи учился в Мадридской художественной академии. С 16 лет начал записывать свои впечатления – так развился его литературный дар. Вскоре стал публиковать статьи о художниках Веласкесе, Гойе, Эль Греко, Микеланджело, Леонардо да Винчи.

Восхищался футуристами, но мечтал создать собственный стиль в живописи. В 1920-х гг. познакомился с творчеством Пабло Пикассо, и в его картинах стало заметным влияние кубизма. Первая персональная выставка состоялась в 1925 г., а первые сюрреалистические работы появились в 1928 г. К этому времени сюрреализм как стиль становится спорным и неприемлемым явлением в искусстве, но Дали он приносит славу и известность.

«Постоянство памяти» (1931)

Одна из самых известных работ Дали. Сам художник объяснял этот сюжет размышлением о природе сыра камамбер (сорт мягкого жирного сыра). Местонахождение: Музей современного искусства, Нью-Йорк.

Это классические сюрреалистические амбиции, но в них присутствует и некоторая реальность: далекие золотые скалы — это побережье Каталонии, где жил Дали. Вялые часы мягки, как перезревший сыр, они изображают «камамбер времени». Здесь время теряет всякий смысл. Муравьи символизируют разложение. Огромное мясистое существо в центре картины – лицо Дали в профиль.

Главные темы его произведений – разрушение, тление, смерть, мир сексуальных переживаний (влияние Зигмунда Фрейда).

В начале 30-х гг. восхищался Адольфом Гитлером, на этой почве порвал отношения с сюрреалистами.

«Лебеди, отражающиеся в слонах» (1937)

В воде отражаются три засохших дерева и лебеди, принимая вид слонов. При развороте на 180°слоны превращаются в лебедей. Местонахождение: Частная коллекция.

Все изображения на картине, в том числе и облака, смотрятся живыми, но неприятными существами, общая атмосфера картины жуткая и неуютная. Человек, праздно стоящий в левой части полотна, создаёт не очень понятный контраст с остальным сюжетом.

«Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» (1944)

Картину многие рассматривают как результат увлечения Дали психоанализом Фрейда. Художник неоднократно пытался воспроизвести образы, порожденные во сне. Местонахождение: Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид.

Звук, который вот-вот прервёт сон героини, вызывает у спящей ассоциативные образы. С точки зрения психоанализа, героиня картины (а это жена Дали – Гала) видит сон о противостоянии мужского и женского начал, подавленном сексуальном желании и страхе перед ним.

«Портрет Пабло Пикассо в XXI веке» (1947)

В прошлом Пикассо сыграл очень важную роль в становлении таланта Дали, но через 20 лет их отношения фактически сошли на нет, хотя они не теряли друг друга из поля зрения. Возможно, эта проблематичность отношений и выражена в портрете. Дали создал только 2 портрета художников – Веласкеса и Пикассо. Местонахождение: Театр-музей Дали, Фигерас.

Портрет наполнен символами, это и едкая сатира, и признание величия Пикассо. Женская обвисшая грудь – символ антипатии, изображение в виде чудовища с козлиными рогами – символ любвеобильности Пикассо, но в отношениях с женщинами он был деспотом и тираном.

Могильная плита с гвоздикой – символ «смерти Пикассо для искусства», каменный булыжник над головой – символ груза ответственности, который может его раздавить и т.д. Каждый может трактовать этот портрет по-своему.

«Дезинтеграция постоянства памяти» (1952-1954)

«Римейк» его известной работы «Постоянство памяти». Картину можно трактовать как декларацию того, что идейные убеждения сюрреализма ему уже не близки. Теперь у него другие приоритеты, в том числе научные, например, ядерная физика. После атомной бомбардировки Хиросимы и Нагасаки в 1945 г. атом и его разрушительная энергия сильно стали занимать мысли Дали. Местонахождение: Музей Сальвадора Дали, Сент-Питерсберг.

Нижняя часть «Постоянства памяти» оказалась под водой, дезинтегрированы также мягкие часы (он уже знал о теории относительности Эйнштейна), 4-ый циферблат мягких часов в оригинале отсутствует, но в «Дезинтеграции» появляется как символ четвёртого измерения, которое также интересовало Дали.  

Василий Кандинский (1866-1944)

В творчестве Василия Кандинского соединилось русское и европейское искусства, поэтому оно уникально.  

До 30 лет он и не думал об искусстве – учился на юридическом факультете, работал над диссертацией, увлекался этнографией. В 1896 г. на выставке в Москве увидел картину Моне «Стог сена», и она внезапно изменила его жизнь: он уехал в Германию учиться живописи. Живя в Германии, почти каждый год приезжал в Россию и представлял свои работы на выставках.  

В его работах 1900-1910 гг. видны влияния разных стилей: от экспрессионизма и фовизма до «Мира искусства».

«Мурнау. Пейзаж с зелёным домом» (1909)

Мурнау – небольшой городок недалеко от Мюнхена. Расположен в предгорьях Альп, на берегу Штаффельского озера, и очень живописен: тёплое озеро, зелёные холмы с разноцветными домиками. Здесь Кандинский жил 5 лет и создал множество пейзажей в стиле фовизма. Местонахождение: Частная коллекция.

Важно знать: фовизм – художественный стиль в 1904-1908 гг., который использовал предельно интенсивный цвет, контрастные сочетания цвета, обобщённые контуры, простые очертания, отказ от светотеней и сложных перспектив.

В эти годы он искал новые средства живописи и совсем неожиданно пришёл к мысли, что для него это «беспредметность». По его мнению, именно линия и цветовое пятно, а не сюжет являются носителями духовного начала, а их сочетания рождают «внутренний звук», и он вызывает отклик в душе зрителя. Так возникло новое направление в искусстве – абстракционизм.

Важно: абстракционизм – «беспредметное» искусство. На­прав­ле­ние в искусстве XX в. Вместо изо­бра­же­ния ре­аль­но­сти абстракционизм использует сис­те­му формаль­ных эле­мен­тов: ли­ния, плос­кость, цве­то­вое пят­но, геометрические фигуры. Абстракционизм проявил себя во всех видах искусства.

«Рок (Красная стена)» (1909)

Две фигуры в правом и левом углу – на первом плане. Между ними существует какая-то связь, но, скорее всего, роковая, подчёркнутая красной городской стеной за зелёным пригорком. Формалистическое решение пейзажа с фигурами. Местонахождение: Астраханская государственная картинная галерея им. П.М. Догадина.

Эта картина содержит в себе все признаки перехода от предметной детальной живописи к абстрактному искусству.

«Картина с белыми линиями» (1913)

Демонстрирует новые живописные идеи художника. Признана одной из самых значительных в живописи XX в. Каждый может создать свою интерпретацию. Местонахождение: Частная коллекция.

В 1914 г. Кандинский вернулся в Москву, почувствовав, по его словам, «странную …тоску по Москве. Москва – это та почва, откуда я черпаю свою силу и где я могу жить духовной жизнью, столь необходимой для моей работы». Он поселился в своём доме в Долгом переулке, откуда был виден Кремль и панорама города

«Москва. Зубовская площадь» (1916)

Очарованный видом из окна своей мастерской, художник отказывается от «беспредметности» и пишет традиционный городской пейзаж. Колорит картины очень тонкий, спокойный, во многих местах виден незаписанный грунт, фактура холста – все эти детали активно участвуют в создании и живописном звучании картины. Картина находится в Треьяковской галерее, Москва. Местонахождение: Третьяковская галерея, Москва.

В 1916-1917 гг. художник создаёт «предметные» и абстрактные картины, которые отличаются динамичностью композиции. Полтора года он работал в Наркомпросе, участвовал в организации провинциальных музеев, стал вице-президентом Академии художественных наук. Но с 1921 г. в России начался процесс борьбы с авангардным искусством, и он покидает страну. Живёт в Германии, Франции.

«Последняя акварель» (1944)

Это последняя работа Кандинского. Она относится к последнему, 10-летнему периоду его творчества, названному «биоморфная абстракция».

Местонахождение: Частное собрание.

Кандинский фактически изменил природу живописи, приблизив её к музыке. Она не изображает, а выражает сложные душевные состояния.

Пабло Пикассо (1881-1973)

Творчество этого испанского художника-кубиста всегда вызывало споры. О нём никто не говорит спокойно – его либо критикуют, либо превозносят. Многие критики и журналисты просто издеваются над его картинами. Однако ему посвящено множество статей, научных работ, трактатов. Выставки его работ в любой стране мира становятся событием.

Пикассо называли и «буржуазным растлителем», и «большевиком в искусстве», и «формалистом». Гитлер приказал выбросить его картины из музеев, а Трумэн назвал его искусство «развращающим».

Родился в Испании, в семье художника и учителя рисования. Окончил художественную школу и высшее художественное училище в Мадриде. С 1904 г. жил в Париже. Дружил с передовыми людьми своего времени – писателями и художниками.

Всё творчество испанского художника связано с французским искусством XX в. Пикассо увлекался многим: он был живописцем и скульптором, декоратором и графиком; работал с керамикой; создавал эскизы для гобеленов и декорации для балетов; иллюстрировал книги. Работал очень много и на износ, но и в 70 лет поражал молодостью и энергией.  

Историки искусства делят его творчество на периоды: «голубой», «розовый», «кубистический», «классический» и т.д. Но это всё условно и изменчиво, как и стили, в которых он работал: реализм, романтизм, неоклассицизм и, наконец, кубизм.

Важно: кубизм – течение в западноевропейском искусстве модернизма. Кубисты выражали геометрическую основу предметов через разложение их на составляющие элементы – линии, фигуры, плоскости. Кубизм стал этапом развития постимпрессионизма. 

Для самого Пикассо форма не имела самостоятельного значения – он искал, как лучше передать то, что хотел, но никогда не работал над формой ради самой формы.

«Женщина с пучком волос» (1903)

Акварель «голубого» периода Пабло Пикассо, взгляд художника на людей из маргинальных слоёв. Местонахождение: Музей Пикассо, Барселона.

Мрачную атмосферу бедности создаёт голубой цвет: фон, лицо и фигура женщины. Безжизненный взгляд устремлён вдаль и выражает безразличие.

«Девочка на шаре» (1905)

Картина «розового» периода творчества художника. Сцена из жизни цирковых артистов бродячей труппы. Сюжет построен на контрастах: хрупкая девочка-акробатка балансирует на шаре, а мощный атлет рядом отдыхает на кубе. Местонахождение: Пушкинский музей, Москва.

Картина полна внутреннего драматизма, подчёркнутого безрадостным пейзажем. Здесь тоже контраст: унылый фон – и весёлое ремесло артистов; контраст и в цирковом реквизите: шар – и куб, и в состоянии фигур: движение (балансирование) – и неподвижность.

«Сон» (1932)

Одна из самых знаменитых картин Пикассо, созданная в период сюрреализма. На ней изображена его 22-летняя возлюбленная Мария-Тереза Вальтер. Местонахождение: Частная коллекция Стивена Коэна.

«Герника» (1937)

Картина написана по заказу правительства Испанской Республики для Всемирной выставки в Париже. Исполнена в стиле кубизма в чёрно-белом цвете. Тема – немецкая бомбардировка города Герники в 1937 г. и ужас Гражданской войны в Испании 1936-1939 гг. Местонахождение: Музей королевы Софии, Мадрид.

Но не все простые посетители выставки и критики приняли картину, отказывая ей в художественности. Другие же признавали, что художник убедительно показал зверское лицо войны.

«Алжирские женщины» (версия O, 1955)

Целая серия из 15 картин и рисунков, созданная в стиле кубизм. Данная (последняя) версия написана под впечатлением картины Э. Делакруа «Алжирские женщины в своих покоях». Местонахождение: Частная коллекция.

Пикассо не боялся нарушать традиционные представления о том, что является красивым, а что – уродливым. Порой его картины вызывают спокойствие, радость, душевную гармонию, но иногда ужасают разложением природы, человеческого тела и самой жизни… «Я изοбражаю мир не таκим, каκим его вижу, а таким, κаким его мыслю» – вот его твοрческое кредо.

Заключение

Искусство помогает нам познать и осознать мир, в котором мы живём, людей разных стран, эпох и самих себя. А проводниками в этом познании являются известные художники, писатели, музыканты.